Espiritu

SABOR A SALADO "JIMMY SANTY" (REMASTERIZACIONES RICKY)

Gino Paoli, cantante y compositor italiano compuso y grabo esta canción “Sapore di sale” (Sabor a salado) en 1963. Jimmy Santi, cantante peruano graba esta canción en español probablemente en 1964.

Sapore di sale – Gino Paoli

Sabor a sal, sabor del mar

que tienes en la piel, que tienes en tus labios

cuando sales del agua y vienes a acostarte

cerca de mí, cerca de mí.

Sabor a sal, sabor del mar

un sabor amargo de cosas perdidas

de cosas que quedan lejos de nosotros

donde el mundo es diferente, diferente de aquí.

El tiempo está en los días que pasan perezosos

y deja el sabor de la sal en la boca

te arrojas al agua y me dejas mirarte

y me quedo solo en la arena y al sol.

Luego regresas cerca y te dejas caer

en la arena y en mis brazos

y mientras te beso sabor de sal

sabor del mar, sabor de ti

Sabor a salado –versión de Jimmy Santi

Sabor a salado, de mar encrespado

que tienen tus labios, que hay en tu piel

cuando sales del agua, a secarte en la arena

muy junto a mí, muy junto a mí

Sabor a salado, de mar encrespado

sabor de amargura, de cosa perdida

de lo que dejamos, detrás de nosotros

donde el mundo es distinto, a este mundo de amor

El tiempo es de días, que pasan fugaces

dejando en la boca, la sal de los mares

te vuelves al agua, yo esperando en la arena

Te miro sediento, bajo el beso del sol

Pero luego te acercas, y te siento a mi lado

te acaricia la arena, y te buscan mis brazos

y cuando te beso, en tus labios encuentro

la sal de los mares, sabor de tu amor

El tema indudablemente es magnífico, sensual y dramático. Las dos versiones mantienen las mismas características, pero se puede encontrar claras diferencias en su mensaje. Hay una diferencia entre usar “sabor a sal” y “sabor a salado”. Cuando se usa sabor a sal, significa la experiencia de usar el sentido del gusto de algo objetivo como la sal, una experiencia objetiva. Cuando usamos sabor a salado, se expresa una experiencia internalizada, probada y comprobada, no es sabor a sal, sino saborear algo que está mezclado con sal, lo que le da el toque de salado. Por ende “sabor a salado” nos da un mensaje más íntimo que “sabor a sal”. Además, en el mismo verso Jimmy Santi añade “de mar encrespado”. Esto nos da un dramatismo, ansiedad y temor al verso. Luego entre el verso de Paoli “cerca de mí, cerca de mi” y la de Jimmy Santi “muy junto a mí, muy junto a mí”, esta última le agrega más pasión a esta cantada relación.

Hay un momento de desazón en la canción. Paoli lo expresa así: “un sabor amargo de cosas perdidas

de cosas que quedan lejos de nosotros donde el mundo es diferente, diferente de aquí”. Santi lo dice similarmente: “sabor de amargura, de cosas perdidas, de lo que dejamos, detrás de nosotros, donde el mundo es distinto, a este mundo de amor” pero de una forma más poética al usar “de lo que dejamos, detrás de nosotros” y “a este mundo de amor”.

Hay luego una gran diferencia cuando Paoli describe al tiempo que pasa lentamente, “perezosos” en contraste con Santi donde le tiempo pasa rápidamente, “fugaces”, que no se puede retener.

En los versos “te arrojas al agua y me dejas mirarte, y me quedo solo en la arena y al sol”, hay un distanciamiento entre el amante y el objeto de su amor” En los versos de Santi, “te vuelves al agua, yo esperando en la arena, te miro sediento, bajo el beso del sol”, la declaración es más personal “yo esperando”, “te miro sediento”. El final de la canción de Paoli es más fría, más objetivamente descriptiva mientras que la de Santi es más romántico. “te siento a mi lado”, sensual, “te acaricia la arena”, “te buscan mis brazos”. En la conclusión concuerdan los dos en que la relación no es del todo feliz porque ambos encuentran la sal del amor que viven con la amada, quizá indiferencia o frialdad de esa relación.

Hoy dia

Nadie mas ...

SIEMPRE FUISTE MI AMOR - GIT (1985)

«Siempre fuiste mi amor» es la primera canción de GIT de segundo álbum del grupo de rock y new wave argentino que grabaron en 1985. El nombre primitivo del grupo G.I.T., es un acrónimo que proviene de las iniciales de los apellidos de sus integrantes: Guyot, Iturri y Toth. El grupo se formó al separarse de la banda de Charly García, que fue el productor del primer disco debut homónimo. Se separó en la década del 1990 y posteriormente se han reunido nuevamente para una gira en el 2010 y el 2017.

La letra expresa los sentimientos juveniles de un chico enamorado. Es casi el final de una época que empezó en los setenta cuando todos éramos “locos”: Loco Pedro, loco Juan, y así indefinidamente. Y como locos nos enamorábamos locamente y se experimentaba con el alcohol y la marihuana. El amor era puro e intenso e inacabable. Por eso es el mensaje de la canción dice que siempre fuiste y serás mi amor

El mundo es un espejo

Don't dream It's over - Crowded House ( SUBTITULADO ESPAÑOL INGLES )

The Beatles - Across The Universe (Subtitulada)

“Across the Universe” o A través de universo fue compuesta por John Lennon y grabada en 1970.

John Lennon contó en 1980 que la inspiración le llegó como una explosión. Cuenta que no sabe de dónde le vino las ideas. Para Lennon, la canción se escribió a sí misma, como si él estuviera poseído o como si fuera un médium.

Lennon había admitido en 1970 que “A través del universo” era una de las mejores canciones que había escrito, que se destaca por las palabras, sin necesidad de la melodía, era como un poema que solo hay que leerla.

El estribillo "Jai Guru Deva Om" que se escucha en el coro es un mantra destinado a adormecer la mente para alcanzar una conciencia superior. Las palabras están en sánscrito y significan "Doy gracias al Guru Dev", que era el maestro del Maharishi Mahesh. El "Om" al final es el "oooohm" que se usa en la meditación para relacionarse con la vibración natural del universo.

La forma y el significado de la canción estuvo fuertemente influenciado por el interés de John Lennon y de los Beatles en la Meditación Trascendental a fines de 1967 y principios de 1968, cuando se compuso la canción. La meditación trascendental es una técnica de relajación que puede ayudar a desarrollar el cerebro, mejorar la salud y la vitalidad.

Creo que esta canción trata, sobre todo, de lograr un estado mental en el que ya no se necesite pensar, donde los pensamientos, las palabras y las preocupaciones desaparecen. Nos invita a abrir nuestra mente y sentir todo a nuestro alrededor, debajo de nosotros y por encima de nosotros, convertirnos en uno con el universo y todo lo que nos rodea, perder nuestra individualidad y volvernos al todo universal. De esa manera nada podrá cambiar nuestro mundo, nuestro universo, aceptando todo, impasibles, porque nuestra relación abierta con todo, nos da paz, tranquilidad y conformidad.

Todas las imágenes que nos provee la canción nos llevan en última instancia a testificar que el amor universal y absoluto existe y nos rodea y está dentro de nosotros.

Mi gesta

Lo fatal

Análisis de “Lo fatal”

Así pues, en “Lo fatal” aparecen elementos característicos del modernismo, como la naturaleza, los sentidos y el erotismo, evocados en el atardecer amargo del poeta. La trayectoria vital de Rubén Darío es la del modernismo: desde el poderío juvenil hasta la lucidez de la edad madura, Darío cierra el ciclo de este movimiento. Tras él, hay literatura modernista de gran calidad, pero difícilmente reflejará el alma humana con la honradez y la magnitud del nicaragüense.

El tema central es el profundo dolor que la vida causa en la voz poética. El vacío de la existencia humana, el temor a la muerte, la ignorancia del futuro, todo produce una desolación indecible en el poeta. Como ya hemos dicho, no trata de las dudas de un hombre ante la muerte, sino de la lucidez de quien ha vivido y sabe que no hay sino pesar en la existencia humana. El tono sombrío, implacable, convierte esta composición en un cierre tajante de Cantos de vida y esperanza, así como en una cumbre de la lírica en español.

La madurez del poeta se desvela en el estilo sentencioso y filosófico de la primera estrofa. Sentencioso, por la estructura argumentativa que proporcionan la causal y la consecutiva (versos 2 y 3) y por el dramatismo de las comparativas (“no hay dolor más grande”); filosófico por la idea schopenhaueriana según la cual el conocimiento engendra infelicidad, y la felicidad es la ausencia de dolor. Así, la única manera de ser feliz consiste en no sentir, como el árbol “dichoso” y de la “piedra dura”. La voz poética, mientras no alcance un estado lisonjero de ataraxia, está condenada a sufrir3.

Por otro lado, “árbol” y “piedra” son apenas sombras de la naturaleza y de los objetos favorables al embeleso sensorial (es decir, que de aquellas piedras preciosas, en el alma del Darío maduro ya sólo queda “piedra dura”).

El resto del poema se construye en torno a contraposiciones que transmiten con eficacia la zozobra íntima de la voz poética. El quinto verso, por ejemplo, es extraordinario. Más que una contradicción, es una compleja estructura en la que la existencia (“ser”) y la ausencia de conocimiento (“no saber nada”) se entreveran en una pavorosa definición de la vida humana (“ser sin rumbo cierto”).

El pasado (“el temor de haber sido”) y el futuro (“un futuro terror”) conforman una nueva oposición en el verso sexto, en la que la vida aparece dominada por el miedo, el “espanto” ante la muerte del verso séptimo.

En el verso décimo encontramos otro pálido vestigio del fulgor modernista. De la voluptuosidad pretérita nos queda una imagen, la “carne” como “frescos racimos”. La estructura paralela del verso decimoprimero transforma la carne en “tumba” y los “frescos racimos” en “fúnebres ramos”. Nótese el recurso fónico unido a la contraposición para transmitir lo inexorable del lecho postrero. El último verso, quebrado en 12 y 13, es la declaración definitiva de la congoja existencial del poeta, como si él mismo y su voz se doblaran, abrumados por una aflición inefable.

En definitiva, “Lo fatal” supera los límites del modernismo al presentar sentimientos universales como el desencanto y el sufrimiento que procura el existir humano. El lenguaje claro y directo de estos versos es el resultado de la evolución personal y poética del autor, una de las más señaladas de la literatura en español. Con los años, el estilo de Darío toma el camino más laborioso: la búsqueda de una expresión más sencilla. Por tanto, en Cantos…, Rubén Darío refuta las opiniones superficiales que lo relacionan con cisnes blancos, exóticas princesas y un lenguaje florido. Esto no quiere decir, empero, que Darío abandona el modernismo para cultivar una poesía seria. Al contrario, el modernismo alcanza su madurez gracias al genio poético del nicaragüense y puede postularse, con estas credenciales, como una de las más altas empresas intelectuales y literarias del siglo XX.

Los días del Arco Iris (I giorni dell'arcobaleno) Nicola Di Bari subtitu...

Nicola Di Bari compuso esta canción en 1972, "Los días del arco iris", con la cual se presenta y gana el Festival de San Remo. Esta canción está ligada a un episodio de censura: en efecto en el Festival de San Remo le fue impuesto por la comisión de censura de la RAI, de modificar una estrofa de "Los días del arco iris", en el que canta "Giacesti bambina ti alzaste giá donna" (te acostaste niña, te levantaste como mujer), modificándola con el verso en "Tú eras niña, te levantaste ya mujer". En las versiones en disco la modificación está ausente.

Porque no pude detenerme ante la muerte

Porque no pude detenerme ante la muerte. Por Emily Dickinson

¿Dónde estamos cuando no estamos aquí? ¿Dónde vivimos cuando no vivimos aquí? Creemos que dejamos de existir cuando morimos. ¿Podría ser que la vida y la muerte son solo la fantasía de nuestra alma, una idea de que vivimos eternamente sin tiempo ni espacio? Esa es mi impresión cuando leí el poema "Porque no podía parar por la muerte". Al leer el poema encontramos que Vida y Muerte siempre van juntas. También encontramos un ser tan lleno de vida y vitalidad que no desdeña la muerte. Pero la muerte abre la puerta a la eternidad. Logramos nuestra existencia a través de la vida y logramos la eternidad a través de la muerte. Por lo tanto, debemos contentarnos con nuestra breve existencia, esta breve parada de nuestras almas, el estado frágil y delicado que la muerte trae a la inmortalidad que es la eternidad.

El narrador detuvo todo lo que estaba haciendo, descansar y trabajar. Eso solo puede suceder cuando morimos. Hay otros signos que nos dicen la presencia de la muerte en el poema, como cuando ella describe el cielo: "Pasamos el Sol Poniente -". El autor utiliza esta expresión como una metáfora de una vida que se desvanece, que se extingue, que muere, al igual que al final del día en que el sol se pone en el horizonte, desaparece de nuestra vista. Pero curiosamente, el autor menciona: "O más bien, nos pasó a nosotros". Esta afirmación sería absurda si, para el personaje principal del poema, la vida no tiene la misma configuración. Ella está dejando un mundo donde hay un orden natural de cosas mientras estás vivo. La forma en que se describe la muerte en el poema no termina allí. También leemos sobre los lugares y escenarios donde se encuentra la muerte en el poema,

En la vida, una persona vive y descansa en su casa. En la muerte, nuestro cuerpo descansa en un ataúd, en una tumba, en una zanja que se convierte en la última casa que ocupará nuestro cuerpo. A nuestros ojos, las tumbas parecen un pequeño monte en el suelo o una hinchazón. La tumba está cerrada con un bloque de hormigón. El cadáver yace debajo de esta cornisa. Pero la forma en que se describe la muerte es benigna o gentil, hasta el punto de que la muerte se detiene cortésmente para ella. Por lo tanto, la muerte, a través de acusaciones directas, metáforas y relatos detallados, está presente de manera irrefutable en el poema.

La vida también está presente en el poema, y ​​el personaje describe sus experiencias, tanto en la naturaleza como en los Campos de Grano, en los niños que juegan. Su vida es tan rica y plena que al final la muerte tuvo que detenerse e invitarla a la inmortalidad. Es una vida que aún continúa, que sigue adelante.

El final de la vida tiene lugar, pero también el final de la muerte. El alma, despojada de la cáscara, el cuerpo, relata la presencia del tiempo: "Desde entonces, los siglos -". Nuestro narrador habla de un tiempo sin tiempo, de vivir una vida no ligada a la tierra, donde vivimos y morimos mientras poseemos un cuerpo. Allí, en un lugar sin lugar, el tiempo humano es significativo e importante, pero se mide de manera diferente. Desde este lugar recuerda cuando entró en la eternidad.

El poema significa una vida rica; Una vida vivida al máximo, sin temer ni preocuparse por la muerte, una vida llena de vitalidad. Aunque la idea principal sobre la muerte es grave y trágica, el autor combina la idea principal con las sutilezas y las cosas simples de la vida, que se ven cuando se menciona la escuela y los niños en el recreo, o los campos de trigo. La muerte, para el autor, es un personaje amigable que la invita a ir, como en una cita, o en un baile, en un carruaje. Al final descubrimos que lo que ella contó sucedió hace muchos siglos. En la vida eterna en la que reside su alma, su espíritu recuerda ese breve momento en el que dejó de existir.

Jennyfer Rackal

A mi hermano Miguel

No podemos evitar el sobrecogernos al leer “A mi hermano Miguel”. Desde el “hermano” nos sitúa en la atmosfera de la casa materna y paterna donde vivimos los momentos, regularmente, los más felices de nuestras vidas. EL tiempo nos arrebata esa niñez y juventud junto con los que acompañaban y originaban esas vivencias felices, que origina que “nos haces una falta sin fondo”.

Ya en ese ambiente hogareño de paz y seguridad intuíamos que la alegría era precaria cuando “te ocultas tú y yo no doy contigo. Me acuerdo que nos hacíamos llorar en ese juego”. Y es porque tarde o temprano, más triste cuando más temprano, experimentamos lo funesto, lo fatal e irremediable que resulta la muerte en nuestras vidas.

Mamá y papá eran las dos columnas que sostenían la cúpula de ternura, abrigo y alegría que nutrían nuestra sensibilidad. Pero éramos inconscientes, la vida era un constante juego. Lo concreto y serio de la realidad lo aportaban a nuestras vidas los padres, por eso el “Oye, hermano, no tardes en salir. ¿Bueno? Puede inquietarse mamá”; apela a la figura salvadora y resolutiva de nuestras aflicciones, de nuestras penas.

Queda por definir a Cesar Vallejo con el título de un libro de Friedrich Nietzsche, que Cesar Vallejo era “Humano, demasiado humano”.

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Caraz dulzura

Nos reunimos todo el grupo en la estación de ómnibus que iba a Huaraz. Íbamos a tocar en Caraz por el aniversario del colegio Antonio Núñez de Manolo. EL colegio cumplía 50 años y nos había invitado el cholo Edgar, antiguo alumno de la escuela y ahora maestro de lenguaje y literatura. EL cholo también cantaba bien y hasta había sido locutor de la radio local.

            EL viaje duro seis horas a Huaraz y de allí dos a Caraz. Edgar tenía tres casas en Caraz, así que nos dio una que estaba desocupada y que estaban refaccionando. La casa era de dos pisos y quedaba en una esquina. Tenía una pequeña sala en la entrada seguida de una sala más amplia, luego un comedor y al fondo la cocina. Entre el comedor y la cocina había un patio, los cuartos estaban arriba. Como no estaba terminada de arreglar acondicionaron la sala de estar en un dormitorio y la sala más grande en otro, donde dormiríamos Héctor, Charango, Chullo, Chara y yo. En la sala chiquita dormiría Norka.

-¿Quien vivía aquí?-pregunté por preguntar a Edgar.

-Estaba desocupada por años, por eso la estamos arreglando.

Era ya las diez de la noche así que nos acomodamos para dormir. Solo había luces en las dos habitaciones ósea que para ir al baño teníamos que afinar la vista. Nos dormimos sin sentir, suavemente, seguramente cansados por el viaje.

En medio del sueño un quejido me despertó. Era gutural, grave, adolorido y extendido en el tiempo. Paré la oreja para saber que había escuchado. Talvez mi imaginación la había producido, pensé; talvez salió de mi propio sueno. Volví a dormir. Otra vez el quejido me despertó, pero esta vez se quedó allí y permaneció hasta que yo estuve totalmente consiente. No fue mi imaginación, alguien se queja, ¿quién puede ser? ¿dónde está? Miré alrededor …todos siguen durmiendo. Una tenue luz entraba por el tragaluz de las ventanas altas de la sala que alumbraba hasta medio patio y después, la oscuridad. Recosté mi cabeza otra vez en la almohada y sin dormirme volvió otra vez el quejido a escucharse. Me levanté de pronto, a la vez se levantó Charango.

-¿Escuchaste? – le pregunte.

-Sí, ¿tú también?

-Si, yo pensé que estaba soñando

-Yo también.

Prendimos la luz. Todos se despertaron.

-Están penando –dijo Chara

-¿Lo escuchaste? –le pregunto Chullo

-El quejido viene de afuera –dijo Héctor.

Todos habían escuchado el quejido para nadie lo había revelado.

-¿Y Norka?

-¡Norka! –gritamos y fuimos a su cuarto. Prendimos la luz y la encontramos metida debajo de cuatro frazadas

-Norka, ¿tu también escuchaste?

-Si –dijo temblando

-No quería ni respirar de miedo

-Sigo pensando que el quejido viene de afuera. Talvez alguien nos quiere jugar una broma – dijo Héctor

-¡Que vayan hacer la broma a su abuela!

-Yo escucho el quejido adentro de la casa, por el patio –dijo Chara

-Mejor vamos a seguir durmiendo. Ya son las dos. Mañana vemos que era –hablo Héctor

Apagamos la luz y nos echamos a dormir, con ansiedad.

Paso un momento, no se oía nada. Hasta que, otra vez el quejido, más largo y presente. Me levante rápidamente, abri la puerta de entrada y busque con mi vista al supuesto bromista que nos estaba fastidiando. No habia ni un alma.

-No hay nadie afuera. EL sonido viene de adentro.

Charango prendió todas las luces que habían que solo eran dos luces mortecinas.

-¡Esta esta feo! –dijo Héctor.

-Mejor vamos a dormir todos juntos en el cuarto de Norka.

A le alegro la idea. Así que sacamos los colchones de las camas y los pusimos en el suelo de la salita de entrada.

-Ahora si, vamos a dormir –dijo Héctor

Nos echamos y no escuchamos nada. Busque con mis ojos en la oscuridad del cuarto, vi algo en el techo, talvez una sombra, una imagen que se acerca. Traspasé la oscuridad el patio y no vi nada. Sentía una presencia, negra, revolviéndose por los rincones oscuros de las habitaciones. Nos dormimos y de pronto el quejido se escuchó, esta vez bien cerca, como si estuviera dentro del cuarto. Ya no tenía sentido ir a algún lado. Todos nos levantamos.

-Yo no paso una noche más aquí – gritó Norka

-El cholo Edgar nos ha puesto en una casa que penan – dijo Chara.

-¿Tú crees? –inquirió Charango.

-El que pena es un hombre y sufre de dolor –comentó Chullo.

-No me importa que sea hombre o mujer, yo no voy a dormir otra vez aquí –volvió a decir Norka

-Bueno, ya va amanecer. Dormiremos con la luz prendida y en la mañana le contamos a Edgar.

Nos quedamos callados, nos hundimos y abrigamos en las camas dejando descubierto, un solo ojo avizor. Una pesadilla se había materializado y nos acunó en un lecho de pavor.

Ya de día fuimos a contarle a Edgar.

-Edgar, en esa casa penan.

Edgar reflexionó un momento y nos habló.

-No les quise decir que había rumores que en esa casa penaban. Siempre pensé que eran habladurías de la gente provinciana. Hasta trabajadores que arreglaban la casa se han marchado pero pensé que era una histeria colectiva, una idea contagiosa. Entonces no les dije nada a ustedes para que no se sugestionaran. Pero no se preocupen los pondré en otra casa.

Chullo y yo volvimos en la tarde para recoger nuestras cosas y nos internamos en un pasaje que da a la espalda de la casa.

-Esta es una comisaria –dijo Chullo señalando un local de la Policía de Investigaciones del Perú.

-De repente de allí salían los gritos.

-No, los gritos eran de un muerto o muertos que han muerto aquí, seguramente torturados y que sus almas no descansan en paz.

-Es muy posible. ¡Vámonos Chullo! No podemos hacer nada aquí.

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GUSTAVO HiT MORENO - MI SECRETO

“Mi secreto” es un tema grabado por Gustavo Hit Moreno. Nacido en Lima con el nombre de Gustavo Moreno Matos, su trayectoria artística la inició en 1954, esto es, antes del estallido de la nueva ola peruana, por lo que así mismo se ha atribuido el título de primer nuevaolero de Latinoamérica, junto a Luisito Aguilé de Argentina. Los constantes viajes al exterior que realizó en la primera etapa de su carrera le permitieron ver en directo y en pleno apogeo a varios de los artistas del rock’n’roll de secundaria como Paul Anka y Neil Sedaka, lo que lo motivó grabar versiones en español de sus temas, como “Pequeño Diablo” o “Estúpido Cupido” (ambos de Neil Sedaka). Y si bien es cierto que muchos de los temas que grabó fueron los primeros éxitos de la nueva ola peruana, algunos de ellos en verdad se trataban de versiones cuyos originales respondían a estilos musicales diferentes al rock’n’roll. Es el caso, por ejemplo, de la canción “Magia Blanca”, que Hit Moreno la grabó en 1963 y que en realidad es una versión del tema “Devil Woman”, escrita e interpretada en ritmo calipso por Marty Robbins en 1962. También es el caso de “Norma” (conocida por muchos como “Norma Mía”) que la grabó en 1962, que es un tema del chileno Sergio Fernández Garay quien la compuso en ritmo de foxtrot en 1940. “Pensemos un poco en vivir”, otro de sus éxitos, es una versión de “Let's Think About Living” un tema en rockabilly de Bob Luman, año 1960.

En todo caso, que hayan sido o no temas originales de rock’n’roll, no impide que por haber sido interpretados de manera inigualable -como lo hizo también en “Mi Secreto”, “El Poeta Lloró”, “Llorando me dormí”- hasta el día de hoy se afirme que Gustavo Hit Moreno fue el verdadero rey de la nueva ola peruana.

https://unaparaelsunset.blogspot.com/2014/07/balada-peru-una-breve-historia-del-pop.html

Wooly Bully- Sam Sham Pharaohs

Uno, dos, one, two, tres, cuatro

Matty told Hatty about a thing she saw

Had two big horns and a wooly jaw

Wooly bully, wooly bully

Wooly bully, wooly bully, wooly bully

Hatty told Matty, let's don't take no chance

Let's not be l-seven, come and learn to dance

Wooly bully, wooly bully

Wooly bully, wooly bully, wooly bully

Matty told Hatty, that's the thing to do

Get you someone really to pull the wool with you

Wooly bully, wooly bully

Wooly bully, wooly bully, wooly bully

"Wooly Bully" es una canción popular originalmente grabada por la novedosa banda de rock and roll “Sam the Sham and the Pharaohs” en 1965. Fue escrita por el líder de la banda, Domingo "Sam" Samudio. Fue lanzado como un sencillo en 1964 y MGM lo recogió en 1965. Resultó ser un éxito nacional.

El título se basó en el baile 'hully gully' y Samudio realmente quería usar las palabras 'hully gully'; pero los jefes legales le dijeron que no, porque había un par de otras canciones con esas palabras en el título y no estaban seguros de la infracción de derechos de autor. Sam cambió la letra y cambió el nombre de su nueva canción WOOLY BULLY. Como las letras de Sam eran casi indescifrables, algunas estaciones de radio prohibieron la canción, asumiendo que las palabras no eran apropiadas. Hay otras fuentes que afirman que Samudio obtuvo el título del nombre de su gato, "Wooly Bully", pero ese dato de información ha sido denegado, y 'no denegado' una y otra vez ... por lo que sigue sin estar seguro. La cancion alcanzó en los Estados Unidos el puesto numero 2 a principios del verano de 1965. A pesar de que no llegó al número 1, WOOLY BULLY fue nombrada "Número uno del año por la revista Billboard" y fue nominada para un premio Grammy.

La traducción de la letra es confusa: "tenía dos grandes cuernos y una mandíbula lanuda" parece que se trata del búfalo; pero luego la letra "ven y aprende a bailar" sugiere un paso de baile; otra letra más, "consígase una potra para llevar la lana con usted", suena como si se tratara de algo sensual. Así que traducción es abierta para muchas interpretaciones.

Samudio subraya la naturaleza tex-mex de la canción contando el ritmo en español e inglés: ¡uno! ¡dos! ¡one, two, tres, cuatro! La parte de la cuenta regresiva de la canción no estaba planeada. Samudio solo estaba jugando y contando en tex-mex. Simplemente les gustó a todos, aunque en realidad, él quería que fuera eliminado de la grabación. La grabaron varias veces pero al final se quedaron con la primera y su cuenta regresiva a lo tex-mex.

Ya hemos sido antes

Bonnie tyler - It´s a heartache Traducida y subtitulada

La canción “It’s a heartache”, Es una pena (de amor), fue grabada por Bonnie Tyler en 1977

Se grabaron varias versiones de esta canción por muchos artistas, pero la versión de Tyler resultó ser la más exitosa, alcanzando el número 1 en Canadá, Francia, Suecia, Noruega, Australia, Nueva Zelanda y Brasil.

Cuando un cantante tiene problemas de garganta lo suficientemente graves como para requerir cirugía, el procedimiento a menudo puede poner en peligro su carrera. Sin embargo, en el caso de Bonnie Tyler, los nódulos que desarrolló cantando en clubes nocturnos en su ciudad natal, Gales, resultaron ser una bendición para su carrera. Después de su operación de 1976, la voz de Tyler tenía un raspadura distintiva que recordaba algo a la de Rod Stewart, y la ayudó a impulsar esta canción al puesto # 3 en los Estados Unidos.

Básicamente, la letra trata de una chica que se enamoró de alguien que simplemente no la amaba y le causa un dolor de corazón. Ella nada puede hacer para librarse de eses dolor porque para la otra persona eso solo fue un juego.

Sumision

Intuicion

Si, hay

¿Quién eres tú?

De qué espacio sideral desconocido,

de qué tiempo que ya fue o aún no ha sido,

de qué lluvia de planetas has caído

proclamando un "aquí estoy porque he venido"...

Que aunque no se trate de pedir permiso

por pisar el mismo vértigo que piso,

no se apunta a un corazón sin previo aviso

tan de pronto y disparando tan preciso...

Quién eres tú...

Quién eres tú,

Prodigio o vudú...

Quién eres tú

ensueño o tabú...

quién eres tú...

Cuando ya no queda más que ese momento

en que comienza a repetirse el argumento,

apareces de repente, con el cuento

de que no hay historias... sólo sentimientos

y me invades con palabras como besos

inundándome con pájaros, los sesos

Qué difícil intentar salir ilesos

de esta magia en la que nos hallamos presos...

Te aseguro que no quiero hacerme el fuerte,

en todo caso me da pánico creerte...

No sé si eres el presagio de la Suerte

o, al contrario, vienes a darme la muerte

pero seas agua turbia o aguanieve,

cómo no beber cuando me dices: "bebe"...

que la sed se va apagando y es más breve

al tiempo que pasan los años... y no llueve

Luis Eduado Aute es el autor de un sin número de temas que contienen ricos contenidos poéticos. Podría decirse que la mayoría de sus temas son versos cantados. Pero en algunos se encuentra un balance entre la música y la poesía que las transforman en bellas canciones, como “Rosas en el mar”, “Al alba”, “De alguna manera”, etc.

Una de ellas es “¿Quién eres tú?”. La poesía nos recibe frontal y directamente desde los primeros versos, con un significado trascendental y fino, una rima natural y un ritmo cadencioso y musical. La letra esta rica en figuras poéticas, como antítesis: “De qué tiempo que ya fue o aún no ha sido”, o hipérboles: ”lluvia de planetas”, aliteraciones como “de pedir permiso por pisar”, juego de palabras como “cómo no beber cuando me dices bebe”.

Toda esta riqueza lirica nos hace experimentar la belleza que encierra en general las canciones de Luis Eduardo Aute.

holding back the years - SIMPLY RED -subtitulos en español

“Holding back the years” o Aferrándome a los años es una canción grabada en 1985 por Mick Hucknall, llamado “Simply red”.

El tema es acerca del pasado, de una mirada retrospectiva a lo vivido. En ese pasado hubo tristezas y lamentos y estos causan daño y temor. Pero no es que se quiera retener esos años, son los que tuvimos y no se van aunque queramos. Tratamos de borrarlos de la memoria, pero aún siguen allí constantemente.

Así y por siempre, deseamos no detenernos en recordar cosas malas en nuestras vidas.

Solo polvo